Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS Y MEDIA. Director: José Manuel Craviotto. Guion: Christian Cueva, Ricardo Farias, J.M Cravioto. Actores: Emiliano Zurita, Alejandro Speitzer, Juan Pablo de Santiago, Ruy Senderos y Manuel Calderón.

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Lecturas del día:

Autos, Mota y Rocanrol celebra los 54 años del concierto de Avándaro, suscitado el 11 de septiembre de 1971 en el Estado de México a un lado de Valle de Bravo.

Justino Compeán y Eduardo "El&nbsp;Negro" López Negrete&nbsp;(Emiliano Zurita y Alejandro Speitzer) afines a las carreras de autos y tratando de regresar la Fórmula 1 a la Ciudad de México, deciden hacer una carrera de autos en el circuito de carreteras que rodea Valle de Bravo y de intermedio, una tocada con dos, tres bandas musicales… casi nada.

De esas cosas extrañas, sin existir las redes, los influencers, TikTok, etc, el concierto para dos mil personas atrajo a 200 mil, inclusive hay quienes dicen, 500 mil personas, desplazando la carrera y convirtiendo a Avándaro en el Woodstock de su época en México.

Cinepolis Distribución tiene una tremenda película en sus manos reflejo de una era tan lejana y un evento que muy pocos recuerdan por cimbrar tanto social como políticamente los años donde se temía que se repitiera la Noche de Tlatelolco de 1968 y la Masacre del Jueves de Corpus recién ocurrida el 10 de junio de ese mismo año, 1971.

El manejo del director José Manuel Craviotto replica el estilo de Olimpia (2019), de usar películas recuperadas del momento, reales y para insertar a sus personajes en medio de todo.

El evento aún a 54 años del suceso sólo es recordado por los recuerdos de “viejitos” y “es que sucedió un concierto allá en Avándaro” y por breves documentales como el de Enrique Krauze y su Clío TV, o los 50 años del concierto que N+ transmitió (recordando que Emilio Azcárraga censuró el concierto y no lo transmitió por Telesistema Mexicano en su momento).

Su manejo es de un documental “detrás de las cámaras” de como se arma la carrera y que termina en un concierto y tal cual el show que se convierte en un circo al ver a Justino Compeán y al Negro López malabarear patrocinios, logística del espectáculo y gigantes de la música de forma irónica y entrando a la comedia abierta, pues porque todo lo que sucede, es así, a veces de risa,

Aplico la frase usada en Olimpia para su promoción “si la historia la escriben los que ganan quiere decir que hay otra historia, la verdadera” y es cierto, somos testigos de la versión verdadera de Compeán y el Negro, lo que ellos jamás pensaron que iba a suceder y a la que tuvieron que adaptarse.

La película como producto terminado, con la mezcla de realidad y montaje a la larga es casi impecable, con un buen ritmo, una edición por igual superlativa y la mera verdad, uno que odia por fama a Justino Compeán, el villano del futbol mexicano y destituido de la FMF en el 2015, hasta aplaudo y le perdono todo luego de ver como logró sacar adelante, manejar y sobrevivir a las consecuencias de Avándaro.

Sobre todo, que Compeán tuvo que casi exiliarse en Brasil, y aquí en México se vino posteriormente una represión apoyada por los medios, una desintegración musical en México, una represión social contra la juventud y se usó a Avándaro como ejemplo de que era necesario un control político social para evitar que mas jóvenes comenzaran a elevar la voz de forma independiente.

Me encantó como Craviotto se inclina por recordar la raíz del rock en México con el Rock Chicano, colocar en el templete a muchas bandas de ese entonces, sacar a Three Souls in my Mind (hoy en día, El Tri) y ver clones de Alex Lora a sus 18 años y Chela Lora a sus 15 en los momentos que se unieron como pareja.

Y la aparición de una que otra celebridad del momento como dos jóvenes publicistas y un director ejecutivo de la Coca… mucha cara conocida de ayer y hoy.

Me encantó sobre todas las cosas, esa visión al final de “lo hice y lo volvería a repetir”.

<h6 class="subtitle underlined">Sí, pero lo retratado por Autos, Mota y Rockanrol sólo se da una vez en la vida y se recordarán para siempre gracias a películas como esta.</h6>

Entretenimiento

Autos, Mota y Rocanrol  (México/ 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Michel Franco. Guion: Michel Franco. Actores: Jessica Chastain, Isaac Hernández, Rupert Friend y Marshall Bell.

Dreams/Sueños es la nueva película de Michel Franco, sobre la relación entre una mujer de alta alcurnia de San Francisco y un bailarín de academia de la CDMX.

Los personajes son interpretados por Jessica Chastain y Isaac Hernández, sin experiencia como actor, pero un tremendo bailarín por las escenas en las que vemos su talento.

A como maneja la película el realizador Franco, trabajando su propio guion, el filme es una serie de vistazos a la relación, supuestamente relación amorosa entre Jennifer y Fernando a la cual llegamos en el clímax de obsesiones y excesos pasionales.

Fernando impulsivamente se pasa como indocumentado a los EUA para seguir a Jennifer, pero aquí es donde comienzan a pintarse lineas y barreras.

La historia de hecho hace ese énfasis cuando vemos, lo que es obvio, que Fernando para Jennifer no es mas que un juguete, un “boy-toy” de ella con el que sí, está enamorado de él con todos los límites que le puedan afectar en su vida cotidiana y sí, está feliz de la vida con su relación.

El está obsesionado a morir con la mujer por igual, haciendo de todo para estar a su lado, sacrificando su integridad física pasando por los canales peligrosos de migrantes a manos de polleros.

<h4 class="subtitle">Pero para él igual y a la par está su intención de ser un gran bailarín.</h4>

Después Franco muestra viñetas de la vida cotidiana de ambos, soledad, distanciamiento y a pesar de la relación estrecha entre ambos, se sabe claramente lo que se va a venir, no hay novedad alguna en este tipo de películas.

El realizador se pierde en el inter, no logra desarrollar un genuino interés, algo novedoso por su crudo recital de acciones y motivaciones sobre la relación tóxica de la cual somos testigos.

La vida de Fernando en los EUA como empleado en diversos giros, la vida de Jennifer con un padre y hermano cercanos entre ellos y a la vez su solitaria vida comiendo sola, yendo sola a funciones de ballet o ópera.

De hecho, aunque contiene valores de subtexto y una puesta en escena interesante, la suma de lo presentado puede percibirse como poco inspirado o incluso sin chiste cuando los créditos finalmente aparecen en pantalla, como diciendo “dejo el final abierto”.

Entre esos subtextos, demasiada información con detalles que se dan porque se dan. Fernando en relación con una mucama de hotel; Jennifer visitando a su hermano y a su esposa y a sus sobrinos de ellos… a la larga no suman nada.

Franco arroja mucho al espectador para que se vayan sumando cabos, pero de mas, porque la idea hacia el clímax es un estire y afloje de fuerzas por la posesión de uno entre otro y ver quien gana.

Pero somos testigos de algo que ya no tiene novedad alguna y son las relaciones tóxicas cuyo destino es algo que no terminará bien y plenamente es obvio por encima de la excusa “es que es mexicano… es que es muy grande para él… es que mejor quédate en México porque nos ven”.

Nada nuevo bajo el sol y en realidad una relación tóxica vestida de seda, no deja de ser una relación tóxica.

El “destino trágico” del mexicano en cine, televisión, telenovelas y hasta en La Rosa de Guadalupe está plagada de ejemplos y mas ejemplos como los de Dreams/Sueños.

<h6 class="subtitle underlined">Sin novedad en el frente.</h6>

Dreams/Sueños (Dreams/ EUA, México/ 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS Y MEDIA. Directores: Haruo Sotozaki, Hikaru Kondo. Guion: Koyoharu Gotouge, Hikaru Kondo. Voces (en japonés): Natsuki Hanae, Yoshitsugu Matsuoka, Akira Ishida y Akari Kito.
 

Demon Slayer: Kimetsu No Yaiba-Castillo Infinito es la primera de tres películas que darán cierre a la saga de Tanjiro y su lucha contra las Lunas Crecientes y demás demonios que se manifiesten.

Lejos del entrenamiento y las batallas que plenamente han desarrollado a Tanjiro, ahora en el animé llevado a película, es guerra abierta.

En esta instancia es adentrarse al Castillo Infinito, todo un laberinto sin fin y sin pies ni cabeza y la aventura podrá ser de Tanjiro, pero lo sigue Zenitsu y dos de los Pilares, Shinobu y Giyu.

Básicamente es una serie de confrontaciones: Tanjiro y Giyu Vs. Akaza la Luna Creciente 3 en una increíble coreografía de peleas llevadas muy bien a la pantalla grande.

De hecho, todo es elevado de forma increíble de la pantalla chica a la grande, el Castillo Infinito en todo extraño esplendor y misteriosa grandeza, dejando atrás los limitantes de espacios pequeños para llevar todo a un magnífico plano donde todo rincón tiene vida y forma.

El animé puede ser de Tanjiro pero le dan tiempo a que por igual haya una confrontación llevada al máximo entre Zenitsu y Kaigaku, antiguo compañero ahora un demonio.

Lástima, en esta ocasión Inosuke es puesto a un lado, esperando que en la segunda película tenga bastante presencia porque sí, es necesario verlo hacer rabietas y sus fanfarronerías son esenciales, pero en el inter afuera del Castillo Infinito está la presencia de los personajes que apoyan a los cazadores de demonios y a los Pilares, como el hijo y las dos hijas del maestro Kagaya Ubuyashiki.

Y la película es bastante larga para un animé que cierra con tres películas, mas de dos horas y media, pero no hay queja en el tiempo, ya que se aprovecha hasta el último segundo para presumir tanto el castillo, como cada uno de los personajes y como han llegado luego de tanto entrenamiento y aventuras a este punto.

Es el clímax de la serie donde los fans que han seguido a los personajes a fondo quedarán satisfechos con el largometraje.

Obvio, el cierre es para dar pie de lo que será la confrontación final con Muzan Kibutsuji, el Rey Demonio, que obviamente comenzará a partir de la segunda película, junto con la Luna Creciente 1, Kokushibo.

<h6 class="subtitle underlined">Tendremos que esperar hasta el 2027 para saber que sigue en la saga de Tanjiro y Demon Slayer.</h6>

<h5 class="subtitle handdrawn">(Con colaboración de Justo Elorduy Lara)</h5>

Demon Slayer: Kimetsu No Yaiba-Castillo Infinito (Gekijô-ban Kimetsu no Yaiba Mugen Jô-hen/ Japón, 2025)

Plácido DETONA® su diletante crónica sobre la función de anoche martes 3 de septiembre en el Teatro de la Ciudad, plagada de egos y "huesos".

<h5 class="handdrawn subtitle">¿Les platico? ¡Arre!</h5>

Fuimos de incógnitos, casi disfrazados para no tener que saludar a muchos que solo a eso fueron, a saludar y ser saludados. A ver y ser vistos.

Fuimos de rigurosos&nbsp;"pagaboletos", como nos obligaba el Lic. Abelardo A. Leal Jr. a ir a los eventos, para no tener que andar escribiendo crónicas agradecidas por unas cortesías.

Es más, ni siquiera fuimos requeridos por los encargados de comunicación de la "Súper". Plácido y Grupo DETONA® sufren, sufren y no dejan de sufrir... ;-)

Fuimos al concierto "Échate una sinfonía" con ganas, con ilusión de ver y escuchar algo que nos emocionara; de&nbsp;disfrutar música nueva hecha por compositores regiomontanos.

Queríamos ver una apuesta fresca y contemporánea y en cambio, vimos algo que parecía salir de una rocola de radio comercial, incluyendo al "director de orquesta"meneando grotescamente la cadera al centro del escenario.

Nos dio gusto ver que era un programa con estrenos de lo que pensábamos que sería la cúspide de las mentes más importantes de la composición musical, con personas que creíamos que eran serias.

<h5 class="handdrawn subtitle">Pero lo que recibimos fue muy distinto a lo que esperábamos.</h5>

Salimos desilusionados. No enojados. No molestos. Decepcionados. Porque no hubo ni un solo momento en que nos sintiéramos conmovidos o conectados con lo que estaba pasando en el escenario.

<h5 class="handdrawn subtitle">Incluso mucha gente se salió antes de que terminara la función.</h5>

<h5 class="handdrawn subtitle">Una orquesta que no es "la" orquesta.</h5>

“La Súper” Orquesta Filarmónica de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey presentó una alineación formada por muchos músicos que no eran alumnos ni ex alumnos, ni maestros de dicha escuela, y de otros muy jóvenes invitados que no son de aquí ni son de allá; puro “freelancer”, vulgo "puro hueso".

Por cierto, la "Súper" se llamaba antes ESMDM y nació llevando el nombre de Carmen Romano de López Portillo, que convirtió a ese plantel de la Colonia Obispado, en un verdadero referente internacional, muy lejos de la madriguera de egos que es ahora. 
 
El 70% de los músicos de la orquesta en la función de anoche eran los extranjeros de la Filarmónica del Desierto de Coahuila.

<h5 class="handdrawn subtitle">Había un galimatías de venezolanos, cubanos, españoles y de varios lados más, pero de la ESMDM no eran.</h5>

El 30% de los músicos eran chavos que no son profesionales.

Son aficionados o amateurs, como se llamaron a sí mismos, cuando platicamos con algunos de ellos al término de la función.

En el escenario se les notó falta de experiencia, y fue evidente que algunos no están listos para tocar ese tipo de repertorios, ni para ocupar los puestos que tenían.

Muchos de ellos hubieran preferido tocar desde el foso del teatro.

<h5 class="handdrawn subtitle">Los pusieron ahí porque fueron los que le entraron al "hueso".</h5>

Desde el primer compás se sintió que la orquesta no estaba segura.

Las entradas no fueron claras, el sonido fue frágil, la orquesta fue amplificada de una manera muy deficiente y las secciones no estuvieron bien conectadas entre sí.

En lugar de un grupo tocando juntos, pareció que cada quien hacía lo suyo tratando de descifrar lo que estaba en la partitura.

El semblante de lo los músicos lo decía todo: Entre bostezos, estornudos y una visible desorientación, fue claro que a nadie le parecía bien lo que hacía, pero como era “chamba” pues había que sacarla, aunque fuera a empujones y estirones.

<h5 class="handdrawn subtitle">Anoche, en la gran sala del Teatro de la Ciudad, vi a una orquesta de “hueso”, reetiquetada al más burdo estilo de la Comer, digo, del Súper… perdón, de La Súper.</h5>

<h5 class="handdrawn subtitle">Un programa sin orden ni sentido.</h5>

El concierto incluía obras nuevas, todas compuestas por músicos locales: Miguel Almaguer, Sergio Martínez y Alonso Julián. Eso es algo valioso. Pero el programa no tenía orden ni lógica. 
 
Las piezas eran muy distintas entre sí, y no hubo ninguna explicación sobre lo que íbamos a escuchar.

Nadie dijo nada al público. No hubo ni una palabra que nos ayudara a entender el propósito del concierto.

Pero sí hubo un discurso totalmente fuera de lugar, idolatrando a Bárbara Herrera, siendo que el concierto y la producción artística, se hicieron gracias al estímulo fiscal del artículo 159 Bis de la Ley de Hacienda del Estado de Nuevo León, con apoyo del Gobierno de NL y de CONARTE.

<h5 class="handdrawn subtitle">¿Bárbara, les prestó a los músicos? ¿Como para qué?</h5>

Lo que sí hubo fue un programa de mano de 30 páginas. Eso sí, impreso a color con papel del bonito y toda la cosa, plagado de las marcas patrocinadoras. 
 
Como espectador, no supe si fue un concierto de canto, de música descriptiva, una suite orquestal.

¿Qué querían que sintiéramos?

<h5 class="handdrawn subtitle">Respuesta: Fue un capricho para buscar gestionar recursos.</h5>

¿Y todo esto con tanto apoyo?

Este concierto fue presentado como gran esfuerzo.

En el programa de mano se mencionan el apoyo del Gobierno de Nuevo León, CONARTE, el Estímulo Fiscal a la Creación y Producción de Nuevo León (EFCA), y un patronato encabezado por personas de alto perfil cultural y económico.

<h5 class="handdrawn subtitle">La sede fue uno de los recintos de espectáculos más importantes del Estado.</h5>

Con todo ese respaldo detrás, era de esperarse una propuesta artística sólida, cuidada y profesional.

Pero lo que vimos en el escenario no reflejó ese nivel de compromiso.

<h5 class="handdrawn subtitle">Una producción con ese nivel de recursos tiene la responsabilidad de ofrecer algo más que buenas intenciones.</h5>

No basta con subir al escenario a un bonche de gente, si no se construye algo coherente, con dirección artística, con rigor, con sensibilidad y con claridad. 
 
Esto no quiere decir que los jóvenes no deban tener oportunidades.

Al contrario, es urgente y necesario abrirles espacio.

<h5 class="handdrawn subtitle">Pero hacerlo sin acompañamiento, sin estructura, sin exigencia real, no es formativo ni profesional.</h5>

Y mucho menos si se presenta artificiosamente como un producto artístico terminado ante el público.

Lo que vimos NO fue un concierto educativo bien planteado.

Tampoco fue una presentación profesional de altos estándares.

Entonces ¿qué demonios fue eso?

<h5 class="handdrawn subtitle">Fue algo a medio camino, o como decía mi abuela la alcaldesa: "A medio pelo", y esa ambigüedad es peligrosa.</h5>

Porque genera confusión en los músicos, decepciona al público, y desperdicia el esfuerzo de todos los involucrados.

<h5 class="handdrawn subtitle">Con tanto apoyo institucional y fiscal, lo mínimo que se esperaba era una propuesta artística honesta, bien dirigida y mejor cuidada.</h5>

<ul>
	<li>El problema aquí no es la juventud ni el estreno de obras nuevas.</li>
	<li>El problema es que no hubo nadie realmente cuidando que el proyecto tuviera sentido, calidad y dirección pero sí varios saludando con sombrero ajeno.</li>
</ul>

<h5 class="handdrawn subtitle">Precios altos, aforo bajo y proyecto financiado.</h5>

El precio más alto del concierto fue de $900 más cargos ($968 en total), y las demás zonas iban desde $753 hasta $645. Incluso con descuentos para estudiantes o adultos mayores, el boleto más barato seguía siendo de más de $500. 
 
Con precios así, es razonable esperar un concierto de primer nivel, una orquesta profesional, un programa bien armado, una producción cuidada.

Pero lo que se ofreció fue un proyecto sin dirección, con una orquesta amateur sin el respaldo artístico necesario, y sin ningún tipo de mediación o propuesta sólida para el público.

<h5 class="handdrawn subtitle">La consecuencia fue evidente: el teatro quedó lejos de llenarse.</h5>

<h5 class="handdrawn subtitle">El material gráfico que ilustra este artículo lo deja claro.</h5>

Hubo butacas vacías en todas las zonas, incluso en las más caras. La gente se salía en plena ejecución de la orquesta.

Y no es por falta de interés del público regio. Es porque, al parecer, el mensaje no conectó, el precio no convenció y el producto no estuvo a la altura del costo.

<h5 class="handdrawn subtitle">Eso es grave.</h5>

Porque cuando se pide tanto al espectador -en tiempo, dinero y expectativa emocional- lo mínimo es entregar una experiencia que tenga sentido, estructura y valor artístico real.

Lo peor es el impacto a largo plazo sobre el ecosistema musical.

Con conciertos así ¿para qué salir de casa?

<h5 class="handdrawn subtitle">3a llamada, 3a, 3a llamada a la conciencia:</h5>

<h5 class="handdrawn subtitle">Todo esto debería llevarnos a reflexionar en serio. Porque no se trata solo de un concierto fallido.</h5>

Se trata de una forma de operar que se repite una y otra vez en nuestro medio cultural, donde el protagonismo, el ego y la pelea por un lugar en el escenario se vuelven más importantes que hacer las cosas bien. 
 
Estamos rodeados de instituciones, grupos, mecenas, gestores, artistas, directores, funcionarios y músicos que se matan por “tener un hueso”… pero muy pocos se detienen a pensar en la formación, en el legado que estamos dejando. Nadie parece preguntarse:

<ul>
	<li>¿Qué construimos juntos?</li>
	<li>¿Qué tipo de público estamos formando?</li>
	<li>¿Qué gremio queremos ser?</li>
</ul>

Es preocupante ver cómo los apoyos van a lo visible, a lo que se puede vender, a lo que se puede aplaudir fácilmente, como villamelones, mientras organizaciones que han trabajado por décadas con calidad, profundidad y verdadero impacto educativo y social, son sistemáticamente ignoradas o descartadas. 
 
Hay proyectos que forman generaciones, que enseñan con ética, que mantienen vivo el amor por la música sin pretensión ni poses; que ponen primero a los jóvenes, al arte, al mensaje.

Pero esos proyectos -como tantos otros en México y en NL- no salen en las fotos, no reciben los cheques grandes. 
 
Y eso duele.

<h5 class="handdrawn subtitle">Lo que se vio en este concierto fue el reflejo de un sistema que está fallando desde adentro.</h5>

Donde la producción pesa más que el proceso; el espectáculo se impone sobre el arte, y el “evento” se come al contenido. 
 
Necesitamos hacernos responsables. 
Necesitamos dejar de mirar hacia otro lado. 
Necesitamos, todos -músicos, directores, instituciones, filántropos, públicos, periodistas y gestores -apostar por lo que tiene sentido y no solo irnos de bruces por lo que encandila como oro y al primer raspón enseña el cobre.

Solo así podremos construir un gremio artístico sano, un ecosistema cultural que valga la pena y un futuro que realmente le sirva a la música y a las personas.

<ul>
	<li>En la cena de postín del Casino Monterrey, después del concierto, a unos cuantos pasos del Teatro de la Ciudad, los santones de la I.P., los burócratas, los protagonistas de este concierto fallido y quienes tomaron el micrófono para ensalzar cual cortesanos ujieres a la realeza regia, el ego flotaba de mesa en mesa.</li>
	<li>"Qué chingones somos en La Súper", se decían los unes a los otres.</li>
	<li>"Qué hueva", diría de nuevo mi abuela la alcaldesa.</li>
	<li>Mañana, cambio completo de programa, sin faltar el Incomparable Iván y toda su Compañía, más la Irreverente de mi Gaby, todavía reponiéndose del desaguisado que vivimos anoche por Echarnos una fallida Sinfonía.</li>
</ul>

<h5>El autor en otros medios nacionales y extranjeros:&nbsp;</h5>

<a href="https://www.sdpnoticias.com/autor/placido-garza/">https://www.sdpnoticias.com/autor/placido-garza/</a>

<a href="https://www.elfinanciero.com.mx/monterrey/2024/06/18/placido-garza-esquizofrenia-de-la-economia-mexicana/">https://www.elfinanciero.com.mx/monterrey/2024/06/18/placido-garza-esquizofrenia-de-la-economia-mexicana/</a>

<a href="https://muckrack.com/placido-garza">https://muckrack.com/placido-garza</a>

<a href="https://qoshe.com/yazar/pl-cido-garza/2695060">https://qoshe.com/yazar/pl-cido-garza/2695060</a>

<a href="https://vanguardia.com.mx/autor/-/meta/placido-garza-irreverente-">https://vanguardia.com.mx/autor/-/meta/placido-garza-irreverente</a>

<a href="https://www.arteculturaysociedad.com/2025/04/manos-milagrosas-tejen-la-historia-de.html?m=1">https://www.arteculturaysociedad.com/2025/04/manos-milagrosas-tejen-la-historia-de.html?m=1</a>&nbsp;

Nominado a los Premios 2019 “Maria Moors Cabot” de la Universidad de Columbia de NY; “Sociedad Interamericana de Prensa” y “Nacional de Periodismo”. Forma parte de los Consejos de Administración de varias corporaciones. Exporta información a empresas y gobiernos de varios países. Escribe para prensa y TV. Maestro de distinguidos comunicadores en el ITESM, la U-ERRE y universidades extranjeras. Como montañista ha conquistado las cumbres más altas de América.

Irreverente

Un concierto por los suelos, con precios por las nubes

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Michael Chaves. Guion: Ian Goldberg, Richard Naing y David Leslie Johnson-Mc Goldrick. Actores: Patrick Wilson, Vera Farmiga, Mia Tomlinson, Steve Coulter y Ben Hardy.

 

El Conjuro 4: Ultimos Ritos se supone que es el caso final de los esposos Lorraine y Ed Warren (Vera Farmiga y Patrick Wilson), los investigadores de casos extraños y lo sobrenatural que obviamente sus extrañas odiseas las hemos visto en 3 anteriores películas.

Ahora comienza con su primer caso con los Warren de jóvenes y con resultados que parecen haber afectado a la hija Judy al momento de su nacimiento.

La película salta a 1986 con la familia Smurl, habitantes de un pueblo en Pennsylvania cuyos problemas inician al comprar un espejo enmarcado que resulta ser el que vimos al inicio y que será el detonante de eventos y ocurrencias misteriosos.

Sólo que los Warren se han retirado y no hay nadie mas a quien llamar, hasta que la hija Judy (Mia Tomlinson) se da cuenta de lo que sucede porque ella ha heredado los poderes de su madre de ver mas allá de lo que ve el ser humano.

El meollo de El Conjuro 4 es que lo colocan como “algo personal”, porque de una forma u otra los Warren como familia se han enlazado con el ente que vive dentro del espejo y lo que es el ciclo abre y cierra con los investigadores enfrentando lo que detonó su afán de investigar presencias sobrenaturales.

En lo particular se me hizo correcto cerrar con lo que es la confrontación física y espiritual de los Warren como familia, sobre todo Ed y Lorraine y obvio, la química de Patrick Wilson y Vera Farmiga, ellos como pareja en la pantalla grande, lo que logró empujar la franquicia desde que inició en el 2013.

Se me hace satisfactorio que termine la película con ellos sin descuidar el énfasis en lo que tienen que investigar, en esta ocasión a la fuerza porque involucra a Judy y se estresa ese punto ya que a estas alturas se sabe que Lorraine y Ed han sufrido un tremendo desgaste físico y espiritual.

Mi queja es el director Michael Chaves, el responsable de El Conjuro 3: El Diablo me Obligó a Hacerlo y La Monja 2, y su estilo de irse por las ramas tratando de alcanzar un oficio como realizador que no logra plantar con firmeza.

La prueba es que “por un pelo” y en las dos ocasiones que ha incursionado en el universo de El Conjuro, estuvo al borde de arruinarlo.

Por otro lado, es la película con mas vida de acuerdo con las épocas, 1986 en medio de tanto, donde la sociedad ya comienza a vivir vidas mas aceleradas, el cine influye en la cotidianidad y las investigaciones de los Warren, que antes abarrotaban auditorios, para las nuevas generaciones son “Los Cazafantasmas” con una pareja de viejos.

El sensacionalismo de la TV por la inmediatez de los medios de esos años, CNN abarcando todo, tanto que la familia acechada por el ente llegó a aparecer de verdad en el programa del clásico Larry King y vemos insertados digitalmente a los actores del filme en esa entrevista.

Pero curiosamente, sí, la película sucede en 1986 y coincide que en 1987 estrena la TV serie Viernes 13 donde la producción, nada que ver con las películas, habla de una bóveda repleta de artefactos malignos que son liberados por el dueño para causar caos y extrañamente uno de tantos episodios es sobre nada menos que una muñeca diabólica.

Los Warren ciertamente eran conocidos ya en la década de los 80 y desde antes, pero no por sus logros, sino porque eran considerados como unos farsantes que, hasta yo en mis años de joven crítico de cine, les conocía esa fama.

&nbsp;Pero ese es el chiste de una buena historia y a pesar de conocer lo que eran los Warren de carne y hueso, la franquicia siempre operó bien y ni quien se acuerde de que eran en realidad.

Ahí sí le doy crédito al director Chaves porque le mete mas estilo y lenguaje cinematográfico a su esfuerzo como realizador, pero no cesa en querer terminar sus películas con lo que interpreta como “final impactante” cuando en pantalla se ve un final caótico, apresurado, visualmente confuso y a dar bien gracias que ahora otra vez, “por un pelo” la película libra de irse a tocar fondo.

Todo se maneja relativamente bien e insisto, si El Conjuro 4: Ultimos Ritos opera, es por la fórmula en pantalla y por la construcción de un universo tan bueno, que la mera verdad espero se las ingenian para que continúe vivo, tal vez ahora que siga sus pasos la hija Judy.

<h6 class="subtitle underlined">Los créditos intercalan los casos de los Warren de verdad con los eventos de las películas y hay un final final, para ser apreciado.</h6>

El Conjuro 4: Ultimos Ritos  (The Conjuring: Last Rites/ EUA, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con DOS ESTRELLAS y MEDIA. Director: George Huang. Guion: Luc Besson, George Huang. Actores: Luke Evans, Gwen Lun-Mei, Sung Kang y Wyatt Yang.

Escape Explosivo es la aventura de un agente de la DEA que regresa luego de 15 años a la isla de Taipei en Taiwan para perseguir a Kwang, un peligroso mafioso.

El agente John Lawlor (Luke Evans) no sólo tiene que lidiar con una mafia entera, sino con el hecho que toparse con un antiguo amor, ahora casada con Kwang.

Escape Explosivo es un vehículo de acción escrito por Luc Besson, muy a su estilo de tipo El Transportador y manejado por un director con poca carrera como director de cine como es George Huang.

La idea en este tipo de películas es mas la coreografía de peleas y balazos, algo que mas o menos opera bien, pero se ahoga en una muy mala historia.

Pero el chiste es unir a Evans y a Sung Kang por la nostalgia que ambos aparecen en las películas de Rápidos y Furiosos. 

Evans como Owen y Kang como Han que acaba de resucitar en la franquicia.

Evans está bien como el veterano agente que se salta todos los protocolos para lograr su cometido y tiene el clásico jefe que mejor la manda de vacaciones, que tenerlo ahí como un problema latente.

La cosa es que el personaje de Lawlor quiere dar por terminado su misión tras Kwang, cosa que al encontrarse con la exnovia Joey (Gwei Lun-Mei) resulta que tuvo un hijo del agente y es el origen de todos los problemas.

El ritmo a veces es insostenible, es explosiva cuando hay balazos, persecuciones y peleas, pero la historia divaga mucho en el romance que tuvieron Lawlor y Joey y definitivamente Sung Kang como Kwang, como villano es puesto mucho a un lado en la trama porque se robaría toda la historia.

De hecho, llega a un punto que la trama secundaria del romance, literal parece sacada de La Rosa de Guadalupe con todo y mujer abandonada con prueba de embarazo en mano.

<h6 class="subtitle underlined">Fuera de eso, película de acción normal, sin nada fuera de lo común para el género y no hay mas que discutir de Escape Explosivo.</h6>

Escape Explosivo (Weekend in Taipei/ Francia, Taiwan, EUA/ 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con DOS ESTRELLAS y MEDIA. Director: Jay Roach. Guion: Tony McNamara. Actores: Benedict Cumberbatch, Olivia Coleman, Kate McKinnon, Andy Samberg y Ncuti Gatwa.

Los Roses, extraña adaptación del libro La Guerra de Los Roses (Warren Adler, 1981) y a su vez la película de 1989 ofrece una versión no tanto actualizada al siglo 21, como una versión muy ligera del literal pleito casado y sanguinario entre marido y mujer que hoy se quieren, mañana se odian.

Ivy Rose (Olivia Coleman) y Theo Rose (Benedict Cumberbatch) se conocen, se enamoran, se casan y se “fugan” a los Estados Unidos a lograr una nueva vida aspirando ella a ser una gran chef y él en un gran arquitecto.

Por designios meteorológicos la carrera de Theo acaba en la ruina y en ese mismo instante, la de Ivy sube como la espuma.

La admiración se convierte en celos, los celos en resentimiento y el resentimiento en odio abierto entre ambos dos.

Me gustaría afirmar que todo culmina en una guerra, pero sólo lo dejamos en un pleito casado entre casados.

El filme dirigido por Jay Roach (director de las películas de Austin Powers y de Los Fockers) no tiene muchas ganas desde el inicio de mostrar una rivalidad entre marido y mujer sino una diferencia de acuerdos donde ella se coloca en una posición de poder para ser envidiada por el marido.

La cinta de 1989 con Michael Douglas y Kathleen Turner, parte que en la década de los 80 fue el momento de empoderamiento de la mujer que inició en los 70 y cómo podía estar totalmente a la par del hombre, cosa que en si es el detonante en la película de 1989, el hombre retado por una mujer poderosa e independiente y a la par de sus logros… totalmente inaudito.

<h4 class="subtitle">Ahora de hecho no hay una actualización social de ese tema u otro del siglo 20 transportada al siglo 21.</h4>

Lo único es que en la película de 1989, los hijos estaban en medio de todo el pleito del divorcio y en esta versión literal se da un “bueno, bye”, lo único moderno en la trama.

Se siente mas un “ella tiene razón” porque Theo es un monstruo vanidoso que nunca logró consumar sus deseos por eso, por vanidoso y se evade el pleito del libro que el divorcio es por “posesiones y elementos sentimentales” que no es llevado a la máxima expresión en esta película.

Aquí es una guerra abierta entre él y ella y nunca hay un entendimiento del pleito que tienen por la casa.

Me gustaría decir que tener en pantalla a dos grandes como Olivia Coleman y Benedict Cumberbatch con premios y nominaciones en su haber iba a permitir un tremendo duelo en pantalla, pero creo que el género de la comedia de humor negro no es para ellos y aparte de que ellos no generan tanta risa, llegan a chocar y caer mal.

&nbsp;Toda la primera mitad de la película es lenta, lenta a morir donde el apoyo cómico es mediante los actores de apoyo como Barry (Andy Samberg) y la desbalanceada Amy (Kate Mckinnon) y el mesero Jeffrey (Ncuti&nbsp;Gattwa, que dejó la serie de Dr Who, por este papel), personajes que desaparecen y aparecen cuando hay necesidad de ofrecer uno que otro momento para reir.

Entre personajes que aparecen para causar “¡WOW, mucho impacto!” es Allison Janney que literal entra por una puerta, lanza maldición y media y se sale al olvido total del filme.

<h4 class="subtitle">Y adiós lo mejor de Los Roses.</h4>

Sí, en aires de hacer el filme “para adultos”, el vocabulario y frases descriptivas están a veces bastante fuera de lugar.

Y la forma que sueltan “la voz de la razón” en la presencia del amigo Barry, no se puede tomar tan en serio porque su personaje es minimizado en todo el filme hasta ese momento que se supone por fin, aparece como el mejor amigo de Theo.

Cuando por fin arranca la guerra de verdad, la guerra de las diferencias irreconciliables, lo que simboliza para ellos el matrimonio, posesiones, se convierte en un desarrollo demasiado vertiginoso cuando comienzan a pelear abiertamente, a saboteando el uno al otro y tentativamente a pensar “te voy a matar”… todo eso no culmina, le faltó.

Precisamente nunca se ve ese sentimiento de odio de llevar las cosas al extremo en ambos Theo e Ivy.

Cuando comienzan a atacarse psicológicamente, se gira a chascarrillos para no llegar al daño emocional. Cuando hay la intención de matarse… no convencen que se van a matar, se opta mejor por risas.

Pero insisto que no se ve ese tema del materialismo, vano orgullo y la incapacidad de perdonar, elementos de un divorcio elevado a la “N potencia” y como se hace a un lado el sano juicio, la razón y el amor que inundaron un matrimonio por tantos años.

<h6 class="subtitle underlined">Los Roses es una comedia regular de situaciones y no hay para nada la intención de consumar la misión del tema de lo que es un divorcio y como un divorcio puede ser una guerra, una tragicomedia de pronóstico reservado.</h6>

Los Roses (The Roses/ EUA, Inglaterra/ 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELAS y MEDIA. Director: Daren Aronofsky. Guion: Charlie Huston. Actores: Austin Butler, Zoë Kravitz, Matt Smith, Regina King y Griffin Dunne.

Los giros de la vida pueden ser crueles, peor cuando no sólo es en una ocasión sino cuando suceden dos o tres veces tal como le pasa a Hank Thompson (Austin Butler) en Atrapado Robando.

Luego de un incidente hace 15 años que lo margina de una gloria perdida y ahora como cantinero en un bar de Nueva York en 1998, Hank recibe a cuidar el gato de su vecino Russ (Matt Smith) cosa que lo coloca en el lugar equivocado, en el momento equivocado y que comienza una espiral donde se da cuenta que aún no ha tocado fondo su inútil vida.

El filme es de Darren Aronofsky realizador de La Ballena (2022), Noe (2014), El Cisne Negro (2010), Réquiem para un Sueño (2000) entre muchos otros títulos y la mera verdad desde El Cisne Negro el director no había presentado algo tan interesante, extraño y oscuro como Atrapado Robando.

Trabajando el guion de Charlie Huston, autor del libro del mismo nombre, Aronofsky se centra en Hank y la trágica odisea de autotransformación que vive mientras ve como su universo se va haciendo pedazos.

La historia para nada es predecible, sino explosiva, pide mucho al estilo de Guy Richie (Snatch: Cerdos y Diamantes, MobLand) en su humor negro y violencia espontánea, repentina y por igual la forma de presentar una galería de folclóricos y muy peligrosos personajes (incluyendo al tremendo gato que sabe con quien ser amigo).

La zona de confort de Hank resultado del accidente desaparece y lo deja expuesto a la mafia rusa y la mafia judía ortodoxa (peor que la rusa) y simplemente sin saber por qué está pasando todo.

Pero todo redunda que su círculo vicioso afecta a propios y ajenos. Su inacción de años de no hacer nada por sobreponerse expone a todos a compartir su trágica existencia.

El lado profundo de Atrapado Robando es ver como lo poco que ha construido Hank, se viene abajo por su propia mano, por decisiones que él pudo tomar de antemano y decidió esconderlas en un supuesto shock post traumático que lo tiene bloqueado.

Pero en realidad hay un destino cruel que juega feo con ciertos individuos y sí, somos testigos de La Odisea con Hank siendo Ulises metiéndose con los dioses y los dioses aplastándolo.

Es de personas que en un momento dado no les queda mas remedio que aceptar que los barcos se han quemado y no hay regreso alguno mas que tomar el camino del “borrón y cuenta nueva” de forma literal.

Y la frase del filme que es oro puro “si no puedes morder, no enseñes los dientes”, léase no somos nadie, pero como en el caso de Hank que es nadie, no queda mas remedio en un momento dado sacudirse el “mi peor es nada” y buscar lo bueno, aunque sea a base de balazos.

<h6 class="subtitle underlined">Atrapado Robando es parte de una trilogía de novelas del autor/guionista Huston sobre Hank y su nueva vida y sería interesante ver que le depara el futuro al trágico héroe.</h6>

Atrapado Robando (Caught Stealing/ EUA, 2025)

Ricardo Marcos DETONA® su crónica sobre la presentación aquí de tres músicos procedentes de Viena. Noche de poco o nulo reproche y mucho disfrute. 

<h6 class="subtitle underlined">(NOTA DEL EDITOR: No se pierdan al final los 11 fragmentos de videos del concierto.)</h6>

Este martes 19 de agosto tuve oportunidad de asistir como invitado a un concierto en el Salón Las 4 Estaciones, en la casa del filántropo,&nbsp;Gustavo Mario de la Garza Ortega.

La ocasión&nbsp;fue una oportunidad de escuchar al pianista duranguense&nbsp;Elir Hernández en un programa que incluyó varias obras para&nbsp;piano&nbsp;así como una selección de música para trío con piano.

Para este segundo cometido se presentaron la violinista irlandesa&nbsp;Julieanne&nbsp;Forrest y la violonchelista polaca Emilia&nbsp;Szewczak.

Los 3, alumnos distinguidos de la&nbsp;Universitat&nbsp;de&nbsp;Musik&nbsp;un&nbsp;Kunst&nbsp;de Viena.&nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">A sus 25 años,&nbsp;Hernández&nbsp;es un pianista “hecho y derecho”.</h5>

Posee la técnica para abordar cualquier partitura&nbsp;y&nbsp;además, algo que no se&nbsp;enseña,&nbsp;sino que se logra con la experiencia: un instinto musical que le permite comunicar con fuerza la música que interpreta.

Ayudó mucho tener a su disposición el que para algunos es “el mejor piano Steinway disponible en México”, a juzgar por el sonido amplio que llenó la buena acústica del Salón; es difícil de poner en duda esa aseveración.&nbsp;

Me sorprendió saber, de parte del propio Hernández, que el repertorio para este programa lo preparó con antelación menor a un mes.

Quizás algunas de las obras interpretadas van a crecer con la familiaridad y la&nbsp;experiencia, pero de entrada hubo mucho disfrute y poco, o nulo, reproche.&nbsp;

La primera parte del programa fue novedosa y solo lamento que no hayamos escuchado completo el Trío de&nbsp;Arensky&nbsp;(el cuál tienen en su repertorio los tres músicos).

<h5 class="handdrawn subtitle">Comenzó con un exquisito Tempo di&nbsp;minuetto&nbsp;del Trío para piano y cuerdas OP. 38 de Beethoven.</h5>

Esta obra proviene de una previa, el Septeto y nos muestra a un Beethoven clásico y juguetón.

La interpretación fue deleitosa y limpia de parte de los tres artistas.&nbsp;

Después Hernández interpretó una transcripción para piano de Ernest&nbsp;Pauer&nbsp;del 1er movimiento: allegro con&nbsp;brío, de la 5ª Sinfonía de Beethoven.

Este fue un “tour de forcé” de sonido pleno, gran colorido pianístico y con efectivos contrastes dinámicos.

En seguida escuchamos la Sonata-Fantasía, OP. 19 de Alexander Scriabin, modelada en la Sonata “Claro de luna” de Beethoven.

Es una obra en dos movimientos.&nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">El Andante inicial nos regaló algunos de los momentos más etéreos de la mano de Hernández; el juego de ambas manos fue&nbsp;excepcional y&nbsp;su manejo de octavas, virtuoso.</h5>

El segundo movimiento, presto, volvió a mostrar un gran trabajo de bravura&nbsp;de parte de Hernández, cuyo manejo de color y temperamento le sienta bien a la música de Scriabin con sus armonías opulentas.&nbsp;

La segunda parte concluyo con dos fragmentos del Trio para piano&nbsp;Op. 32 de&nbsp;Anton&nbsp;Arensky.

No recuerdo haber escuchado jamás en Monterrey esta partitura, en un estilo romántico tardío ruso y poseedora de lo mejor de esta escuela: vitalidad,&nbsp;memorabilidad&nbsp;temática y emoción.

Los músicos eligieron tocar el 2º movimiento, scherzo y el final, allegro non&nbsp;troppo.

Pudimos disfrutar del magnífico sonido que logró&nbsp;Szewczak&nbsp;en el violonchelo, generoso, vibrante, en contraste Forrest desplegó un virtuosismo más sutil, con un timbre compacto y delicado.

Los tres músicos demostraron su&nbsp;rapporty lograron momentos de gran belleza como en el vals central del scherzo y el turbulento final de la obra.&nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">Tras el intermedio, Hernández nos regaló una versión robusta de la Balada No. 1,&nbsp;Op. 23 de Chopin.</h5>

Una vez más su toque “muscular” impresionó, si bien consiguió un inicio&nbsp;de cierta sutileza.

Particularmente atractivo fue la aparición del segundo tema, el cual poseyó la nostalgia encantadora necesaria.

Pero para Hernández hay subyacente un poder subyacente que encuentra su desfogue en la coda, presto, la cuál hizo soltar al público varios bravos en la sala.

Después escuchamos el cuarto movimiento del Trio sobre melodías populares irlandesas del suizo Frank Martin.

Un momento donde Forrest desplegó el corazón de la música de su país con gran vitalidad y sentido rítmico, particularmente en el tema del&nbsp;jig.

Después de un&nbsp;Liebestraum&nbsp;de Liszt, que no era necesario escuchar, escuchamos otro de los momentos climáticos de la noche, este fue el Vals Capricho,&nbsp;Op. 1 del duranguense Ricardo Castro, compositor que tras ser casi borrado por el&nbsp;stablishment&nbsp;nacionalista&nbsp;post-revolucionario hoy queda como una de las máximas figuras de la música decimonónica de México.

<h5 class="handdrawn subtitle">Aquí Hernández no solo mostro un pianismo emotivo, sino de gran sentido musical-artístico.</h5>

Fraseo con gran encanto el famoso tema principal y no tuvo ningún problema para salir avante&nbsp;en las cascadas descendentes, de una pulcritud excepcional.&nbsp;

Después de un muy europeo Verano Porteño de Astor Piazzolla con el trio, Hernández cerró con la Balada Mexicana de Manuel M. Ponce,&nbsp;quien&nbsp;junto con Castro, nos da el repertorio base del piano mexicano.

Aquí, nuevamente admiramos el trabajo de octavas y acordes, principalmente en la segunda aparición del segundo tema. La&nbsp;cadenza&nbsp;final dejó al público encantado.

Como&nbsp;encore, los tres músicos improvisaron sobre “El cisne” de Camille Saint-Saëns&nbsp;(me quedo con la versión original para piano y violonchelo)&nbsp;y cerró, dedicando este último número a su benefactor, Gustavo m. De la Garza, la Fantasía Impromptu, OP. 66 de Chopin.

Los diversos ritmos fueron interpretados con maestría, resaltando&nbsp;sobretodo&nbsp;los momentos cantábiles que nos mostraron a un Hernández más sutil y delicado.&nbsp;

Monterrey tiene en su haber a grandes patronas y patronos de las artes.

<h5 class="handdrawn subtitle">Reconocimiento:</h5>

En este sentido, reconocemos la labor de Gustavo M. de la Garza, no sólo como promotor del piano y patrono de pianistas sino también como un generoso host que abre su salón para quien esté convencido de la importancia de la música clásica en una sociedad.

Parece que esta lección tiende a perderse en las nuevas generaciones empresariales, y, sin embargo, hay oportunidades en la ciudad, que algunos&nbsp;otros&nbsp;patronos,&nbsp;siguiendo el ejemplo de&nbsp;De&nbsp;la Garza,&nbsp;podrán cristalizar en un&nbsp;futuro,&nbsp;como&nbsp;el de financiar una verdadera sala de conciertos.

<h6 class="subtitle underlined">¿A poco una ciudad como Monterrey no la merece?&nbsp;</h6>

Gersón Gómez DETONA® su asistencia a un concierto único. Bienaventurados los sordos, ciegos y mudos. Encontraremos redención. Venerables los mecenas del norte. Ustedes heredarán el reino.

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<h6 class="subtitle underlined">Galería de videos del concierto:</h6>

Concierto lleno de bravura, músculo, emotividad, instinto y fuerza, con el mejor piano Steinway de todo México 

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS y MEDIA. Director: Mike Flanagan. Guion: Mike Flanagan. Actores: Tom Hiddleston, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillian, Mia Sara y Mark Hamill.

La Vida de Chuck es una sorpresa interesante y ha recibido poca atención en su distribución como película.

La historia es sobre Charles Krantz, Chuck para los amigos (interpretado por Tom Hiddleston, Loki del universo de Marvel) y abre con una serie de extraños y violentos eventos que se dan sobre la faz de la Tierra: inundaciones, incendios masivos, gigantescos socavones se forman en ciudades, California se hunde a trozos en el mar y la gente está dejando su trabajo porque todo apunta a lo que parece ser el fin del universo.

No voy a revelar, pero entre lo que somos testigos de dichos eventos cataclísmicos, hay una sorpresa muy cercana a nosotros acá en México.

Lo que estamos viendo es el capítulo 3 de la vida de Chuck, como versa el título de la película, y como dicen los anuncios que aparecen en todas partes, es hora de despedirse de Chuck, aunque nadie conoce quién es Chuck.

En el capítulo 2 conocemos a Chuck en un momento donde nos damos cuenta de como vive y aprecia su vida a cada instante y aprovecha hacerlo cuando se pueda.

Y el capítulo 1 es el desarrollo de Chuck desde niño hasta antes de su mayoría de edad que nos da a entender y resolver la duda de qué vimos en los capítulos 3 y 2 de su existencia.

La película de Mike Flanagan trabajando su guion, adaptado del cuento corto del mismo nombre de Stephen King, refleja esos universos curiosos del autor especializado en terror pero que gusta divagar por los pensamientos del hombre y la filosofía de su existencia.

Ahora aquí no hay nada de terror como otras adaptaciones de King realizadas por Flanagan (Dr. Sueño, El Juego de Gerald), salvo un breve instante que es para sorprender y mas de revelación que de miedo.

Se trata de conocer a un hombre que forja su vida cargando dentro de él multitudes, “yo contengo multitudes” que es del poema “Canción de Mi Mismo” de Walt Whitman al grado que, si cada cabeza es un mundo, toda persona es un universo.

Así va saliendo en claro de qué somos testigos en el capítulo 3 al inicio del filme. 

Es el compendio de todo lo que ha conocido durante su vida y años de infancia adolescencia y adultez.

Lo que ha guardado en su memoria según sus recuerdos y que de alguna forma u otra trasciende a un universo donde todos esos recuerdos se ajustan a personas que viven su propia existencia.

El niño que interpreta a Chuck de chico, sensacional y su interacción con sus abuelos, sobre todo con el abuelo (nada menos que Mark Hamill o sea Luke Skywalker) es sobresaliente de manera total para seguir tomando nota de cómo se va a formar de niño y luego de adulto.

Mansel como realizador maneja eso, lo que parece ser una historia pequeña de un hombre, pero vemos como hay grandeza dentro, fuera y que se debe de vivir con coraje y valentía todos los días de toda la vida.

La Vida de Chuck será algo de un reto para muchos, innegable, pero al final la idea es valorar lo que se lleva por dentro y por fuera también, la suma de ambas partes es lo que define al ser humano y su incansable deseo de vivir plenamente.

Autos, Mota y Rocanrol (México/ 2025)