Gretchen Backhoff DETONA sus reflexiones en torno al mundo del ballet y al Día Internacional de la Mujer.


Estamos viviendo un momento histórico en todos los campos de acción de las mujeres, los terrenos de dominio exclusivo para el genero masculino cada día se ven compartidos o conquistados por mujeres.

En el mundo del Ballet, según el mas reciente estudio publicado por DDP, Dance Data Project, 2021 (Organización dedicada a la investigación) las comisiones para nuevas coreografías y asignaciones para director artístico muestran desde tiempo atrás una marcada disparidad entre los géneros.

Según las estadísticas del DDP los Directores Artísticos de las 129 Compañías más importantes alrededor del mundo, 66% son hombres mientras solo un 33%, mujeres.

<h5 class="handdrawn subtitle">De la muestra de las 50 Compañías de Ballet más importantes en Estados Unidos, un 71% son hombres y solo 29% mujeres.</h5>

Hoy vemos un importante giro, los recientes nombramientos a puestos de Directoras Artísticas tomando las riendas de las mas importantes Compañías de Ballet, no solo cambian las estadísticas, marcan un cambio de rumbo mas en la historia de la Danza y hoy a nosotros nos toca vivirlo.

Si en las cortes de Francia del Rey Luis XIV del siglo 17 el ballet era privilegio exclusivo de los hombres, considerados dioses de la danza hasta el periodo Barroco, al entrar el Romanticismo, la mujer es la protagonista como la expresión más sublime del arte.

Desde entonces, la evolución de la danza, en todas sus dimensiones, ha sido un arte que se transforma continuamente.

Al igual que en otras artes, refleja los valores y corrientes culturales de cada época.

Cada época coloca a aquellos protagonistas que mas representan o reflejan el espíritu o virtuosismo de su época en el pódium del arte.

Los bailarines, columna vertebral de las Compañías, hoy encuentran un medio de mayor diversidad y equidad hasta donde los principios del ballet lo dicten, la ejecución masculina y femenina siempre se van a diferenciar por la misma razón propia del genero.

Una gran diferencia es cuando, en igualdad de capacidades encontramos una marcada disparidad, con poca pero valiosas excepciones, es en el dominio coreográfico y de dirección artística en ballet que ha sido mayormente masculino a través de las épocas.

Así pues, son los grandes coreógrafos que han dejado el mayor legado en la historia y sus nombres y obras son reconocidas en todo el mundo.

<h5 class="handdrawn subtitle">Ballets que se remontan al siglo 18 continúan en la preferencia del publico.</h5>

No podemos dejar de maravillamos y admiramos de estos genios de la coreografía que marcaron las diferentes épocas.

Igual que de los actuales coreógrafos, muchos de ellos herederos de las diferentes metodologías o tradiciones.

También nos admiramos al ver hoy el aumento en la preferencia por coreógrafas, esto, probablemente, impulsado por el liderazgo de las nuevas directoras artísticas.

Son ya varias bailarinas excepcionales en este siglo, y que hemos sido testigos, que han abierto el camino y han ocupado puestos de directoras en importantes Compañías y se han convertido, sin proponérselo, en precursoras de una transformación.

Los recientes nombramientos de destacadas bailarinas a dirigir las mas tradicionales Compañías, no dejan duda de que estamos viviendo un momento de inflexión en la historia:

<ul>
	<li>Susan Jaffe, con el ABT, American Ballet Theatre.</li>
	<li>Tamara Rojo, con el San Francisco Ballet.</li>
	<li>Wendy Whelan, Associate Director del New York City Ballet.</li>
	<li>Hope Muir, National Ballet of Canada.</li>
	<li>Julie Kent, Houston Ballet.</li>
	<li>Elisa Carrillo, co-directora de la Compañía Nacional de Danza.</li>
	<li>Alessandra Ferri, Ballet de la Opera de Viena el próximo año.</li>
</ul>

Si en algo todas coinciden es que el ballet no puede se ajeno a un mundo que esta cambiando donde el arte tiene que darle sentido a un nuevo humanismo; diversidad, equidad, inclusión, justicia, libertad, con temas actuales como radicales.

Susan Jaffe en reciente entrevista comentaba: “el Arte del ballet tiene voz propia para hablar por si solo, aunque sea considerado conservador, progresista o atrevido”.

Tamara Rojo, con una experiencia de mas de 10 años en dirección Artística en el English National Ballet, ha demostrado su compromiso con mujeres creadoras sus nuevas propuestas coreográficas y a repensar los clásicos para ser mas atractivos o sugestivos.

Julie Kent, asume el inmenso reto de de co -dirigir junto a Stanton Welch Director único por cerca de de 20 años.

Susan Jaffe, es el mismo caso, releva a Kevin McKenzie quien dirigiera la Compañía por 30 años.

En la transición de primeras bailarinas a ocupar un puesto en la dirección artística, requiere de otras habilidades pues implica conocimientos administrativos, de organización y marketing así como los fundamentos de la recaudación de fondos para llevar exitosamente su visión artística.

Todas ellas llegan con una gran experiencia, algunas con títulos universitarios, maestrías y acreditaciones empresariales.

Por ultimo, no podemos dejar de destacar a nuestra bailarina mexicana, Elisa Carrillo, actualmente Prima Ballerina del Staatsballett Berlín, que se ha propuesto impulsar el Ballet Clásico en este su país.

Creó la Fundación Elisa Carrillo que presenta anualmente la Gala Elisa y Amigos con invitados especiales, nacionales como extranjeros, ofreciendo clases magistrales ,cursos, talleres y en su nombre, el Gobierno de CDMC creó un programa de becas para niñas y niños que desean realizar su sueño en Danza.

En nuestra ciudad, hace 35 años se fundó el Ballet de Monterrey a iniciativa de Yolanda Santos de Hoyos, quien tuvo la visión de elegir a Ann Marie D Angelo como Directora Artística para iniciar esta Compañía.

El Patronato en los primeros años lo conformamos solo mujeres.

Hoy somos 3 las que continuamos en el consejo de administración.

En el mes del Dia Internacional de la Mujer, rendimos un homenaje a estas musas que están transformando una nueva era.

Entretenimiento

Directoras transformando una nueva era

Literatura y Ballet.  Homenaje a  Laura Esquivel.

El pasado junio el Royal Ballet de Londres presento&nbsp; el&nbsp; ballet, ¨Como Agua para Chocolate¨,&nbsp;inspirado en la&nbsp; novela&nbsp; de 1989 de la escritora mexicana, Laura Esquivel&nbsp;llevando todo el realismo mágico de nuestra literatura a&nbsp; la danza clásica contemporánea&nbsp; al tiempo que abre un nuevo referente histórico.

El ferviente&nbsp;público que acudió&nbsp;con grandes expectativas al Royal Opera House,&nbsp;quedó&nbsp;atrapado por la trama, la magia del movimiento que alcanzo a &nbsp;transmitir&nbsp;sentimientos y tradiciones&nbsp;tan profundas como fantásticas&nbsp; como lo relata la escritora en su exitosa obra, aclamada y traducida a más de&nbsp;30 idiomas. 

Llevar una obra literaria o novela al&nbsp;ballet es siempre un gran reto,&nbsp;ya que el lenguaje en ballet es el movimiento y se requiere de un profundo conocimiento y experiencia para conservar los elementos narrativos pues no siempre todo se&nbsp; puede ajustar&nbsp; a la letra. &nbsp;

No hay que dejar de ver la importancia del punto de equilibrio, pues&nbsp;la trama tiene que estar sujeta a lo que se pueda expresar a través del &nbsp;lenguaje propio del ballet con todo su virtuosismo, arte que dispone para transmitir. &nbsp;

La novela de Laura&nbsp;no es una excepción y representa una gran desafío &nbsp;por su complejidad y simbolismos &nbsp;pues &nbsp;transcurre entre los planos de lo real y sobrenatural.&nbsp; 

Es una obra que requiere algo de previo conocimiento para mayor comprensión.

&nbsp;Para un&nbsp; publico de estreno, que ovaciono la obra de pie, &nbsp;el misterio o la magia del ballet logro&nbsp; conectarlos en una &nbsp;extraordinaria&nbsp; fusión entre la narrativa, danza y teatralidad.

<h5 class="handdrawn subtitle">CHRISTOPHER WHEELDON</h5>

El&nbsp;éxito de esta creación estuvo a cargo&nbsp; del inglés Christopher Wheeldon,&nbsp;un extraordinario coreógrafo&nbsp; internacional&nbsp;y&nbsp;director artístico asociado&nbsp; del Royal Ballet que&nbsp;ha dejado su marca desde sus inicios en el New York City Ballet como&nbsp;coreógrafo residente en 2001 así como por todas las compañías de mayor prestigio por donde ha trabajado.

&nbsp;Christopher Wheeldon, vio la versión cinematográfica del libro del director Alfonso Arau de 1992, y como el ha dicho en algunas entrevistas , quedo muy impactado&nbsp; y la idea de un ballet nunca dejo su mente.

Después de mucho tiempo, buscó&nbsp;encontrarse&nbsp;con&nbsp;la escritora y la idea culminó&nbsp;en una maravillosa&nbsp;y entusiasta colaboración.

"Al tomar en sus manos la novela Como Agua para Chocolate, fue como un alquimista", según comenta la propia autora".

Para esta gran producción, Wheeldon contó&nbsp;con la participación&nbsp;de un extraordinario equipo de grandes talentos. 

<h5 class="handdrawn subtitle">ALONDRA DE LA PARRA COLABORA EN ESTE PROYECTO</h5>

La composición musical estuvo comisionada al también británico Joby Talbot, apoyado por la asesoría y conducción de otro talento mexicano como es Alondra de la Parra, y&nbsp;como invitado especial el guitarrista Tomás Barreiro.

El espectacular diseño visual fue de Bob Crowley y la iluminación de Natasha Kats.&nbsp; 

La&nbsp;genialidad de Crowley es de admirarse, pues recurrió a fuentes de inspiración de los grandes maestros en arquitectura mexicana como es Luis Barragán y el diseño del vestuario fue la evocación de los trajes documentados durante la época revolucionaria.&nbsp; 

Y como &nbsp;si el talento de nuestro país &nbsp;fuera poco, en la musicalización se incluyó&nbsp;parte de un poema de Octavio Paz, interpretado por Sian Griffith.

<h5 class="handdrawn subtitle">ORGULLO PARA MÉXICO... EN MEDIO DE TANTO BARRUNTO</h5>

Todo esto nos llena de orgullo, nos conmueve ver brillar nuestra cultura en uno de los foros de más prestigio en el mundo y solo esperaríamos en el futuro tener &nbsp;la oportunidad de ver esta producción en nuestro País, que lleva todo el sabor a México.&nbsp; 

Por el momento solo está&nbsp;anunciada próximamente en Nueva York y California&nbsp; con el American Ballet Theatre, coproductora de este espectáculo.

Poniendo ya a un lado todo el fenómeno que ha sido esta obra, quiero destacar lo que para mi ha sido algo sumamente relevante y que en la historia del Ballet tiene una importancia sorprendente&nbsp; que &nbsp;no podemos pasar por inadvertida.&nbsp; 

<h5 class="handdrawn subtitle">!LAURA, LAURA!</h5>

La novela de Laura Esquivel&nbsp;es una de las pocas obras literarias que escritas por una mujer que ha sido llevada al Ballet.&nbsp; 

Esquivel se coloca al lado de grandes ilustres escritores que han inspirado muchos de los grandes ballets que hoy admiramos.

&nbsp;Autores desde el Renancimiento, el&nbsp;Romanticismo, hasta el modernismo, han inmortalizado sus historias&nbsp; también &nbsp;través del ballet. 

<h5 class="handdrawn subtitle">A LAALTURA DE LOS GRANDES</h5>

Los autores, si reparamos por unos momentos,&nbsp;son en su mayoría poetas, dramaturgos, novelistas, fantásticos&nbsp;narradores de los principales diferentes movimientos literarios y casi todos &nbsp;del género masculino.

Basta recordar obras favoritas de todos los públicos hoy desde Giselles, Cisnes, Quijotes, Romeos y Julietas, Bellas Durmientes, Onegins ,Ana Karerinas, Corsarios, Pájaros de Fuego, y miles que hoy siguen presentándose renovadas, revisadas por reconocidos coreógrafos para las grandes compañías .

Los autores, a los que hoy se suma nuestra admirada escritora Laura Esquivel son toda una constelación de genios.

Basta&nbsp;mencionar a Cervantes, Shakeaspere, Byron, E.TA Hoffmann, Perraut, A Pushkin, L. Tolstoi, A. Dumas, Kalidasa, entre otros consagrados.

&nbsp;Hoy en esta expresión del arte &nbsp;Laura Esquivel ha dado un importante paso y abre un camino en la continua &nbsp;búsqueda de la equidad de género.

<h6 class="subtitle underlined">¡Bravo, señora escritora!</h6>

Opinión

La novelista  y el alquimista

Para apreciar el ballet solo se requiere observar sin prejuicios y dejarse llevar por los sentidos. Una experiencia estética, sublime, trascendental. 

El&nbsp; Lago de los Cisnes será presentado por el Ballet de Monterrey los próximos 20, 21 y 22 de mayo en el Auditorio Luis Elizondo, del Tecnológico de Monterrey.

Esta obra que llega a su 145 años desde la&nbsp;primera vez que se presentó en 1877 en el&nbsp;Teatro Bolshoi de Moscú,&nbsp;de la&nbsp;antigua Unión Soviética. 

Se trata de un ballet clásico por excelencia y un ícono universal. Es la obra favorita de todos los públicos.

&nbsp;Como cada nueva producción de estos clásicos, crea muchas expectativas.

Por un lado, aquellos que por primera vez van a verlo y por otro, a los conocedores y especialistas que no pueden esperar verlo nuevamente y conocer y maravillarse de&nbsp;todos los detalles y pasajes que los han hecho&nbsp;seguidores fieles. 

Y bueno, ni que decir las jóvenes y futuras bailarinas que sueñan con llegar a interpretar este gran ballet.

La versión que llega a nuestros días no es la que fue presentada en el Bolshoi de hace 145 años.

<h5 class="handdrawn subtitle">INTENTO FALLIDO.</h5>

A pesar de la participación del genio de&nbsp;Pyotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893),&nbsp; fue un intento fallido por las&nbsp; circunstancias que lo rodearon.

Tchaikovsky fue comisionado por el director del Teatro Bolshoi, Vladimir Petrovich Beguichev para componer la música de un ballet con el tema&nbsp;de El Lago de los Cisnes.

<h5 class="handdrawn subtitle">INCÓGNITA SOBRE AUTOR DEL LIBRETO.</h5>

El libreto, hasta el día de hoy no se sabe a ciencia cierta quien lo escribió.

Se le atribuye al propio&nbsp;Beguichev,&nbsp;que tenía algo de dramaturgo y a la participación del primer bailarín&nbsp;Vasily Geltser.

La fuente mas aceptada es la&nbsp;que&nbsp;se&nbsp;inspira en las leyendas o&nbsp;cuentos de hadas &nbsp;del&nbsp;folklor germánico y&nbsp;se atribuye al escritor alemán, Johann&nbsp; Karl August Musaus, basada en su obra, “El Velo Robado” (Der Geraubte Schleier).

&nbsp;Una gran similitud que se encuentra en el cuento, Los Seis Cisnes, de los famosos&nbsp; hermanos, Jacob y Wilhelm Grimm.

También se ha asociado con la opera de Wagner, “Longherin”, que narra &nbsp;el romance medioeval del Caballero del Cisne.

Son muchas las fuentes y podríamos remontarnos hasta el propio Charles Perrault, (1628-1703) considerado el escritor francés que le dio forma literaria a estos cuentos.

Pero sus raíces también nos llevan a la vida familiar de Tchaikovsky, que&nbsp;gustaba de componer&nbsp;música de ballet para&nbsp;sus sobrinos&nbsp;que&nbsp;actuaban&nbsp; en las reuniones en casa&nbsp;y el lago de cisnes era uno de los temas.&nbsp;Los chiquillos personificaban cisnes con modelos de de madera que se balanceaban.

El libreto actualmente conocido tiene una temática &nbsp;del Romanticismo, que cobraba un nuevo auge con&nbsp;el ballet, y lleva todos estos elementos de la literatura fantástica de personajes ficticios como hadas, brujos, duendes, con historias de amor,&nbsp; traición, hechizos ,desolación, venganza y&nbsp;muerte.

Las&nbsp; historias transcurren&nbsp; entre los dos planos&nbsp; lo natural&nbsp;&nbsp; y lo sobrenatural. 

La versión final del libreto fue complicada, violenta y trágica.&nbsp;&nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">COREOGRAFÍA.</h5>

La coreografía&nbsp;a cargo de&nbsp;Jules Reisinger&nbsp;-un coreógrafo&nbsp; sin mucho talento-&nbsp;que no comprendió&nbsp;la&nbsp;música de Tchaikovsky, hicieron de esta obra un fracaso. 

Para mayor frustración, algunas partes de la música se repusieron con otras para servir a los caprichos de la bailarina Pelagia Karpakova. 

Tchaikovsky, quedó&nbsp;profundamente decepcionado y nunca llegó&nbsp;a conocer el éxito sin precedentes de&nbsp;este, el primer ballet de su famosa trilogía (La Bella Durmiente&nbsp; 1890 y El Cascanueces 1892).

<h5 class="handdrawn subtitle">LLEGA A LA CUMBRE.</h5>

Sucedió 20 años después con el francés Marius Petipa, (1818-1910) “Maitre de Ballet” y coreógrafo del Teatro Mariinsky.

El Príncipe Ivan Vsevolozhsky,(1835-1909), Director de los teatros imperiales,&nbsp;acordó&nbsp;reponer "El Lago de los Cisnes" en 1894.

Antes ya habían tenido un encuentro maravilloso y muy armonioso con Tchaikovsky, lo que animó&nbsp;al genio a componer nuevamente la música para La Bella Durmiente&nbsp;y El Cascanueces.

Petipa encargó&nbsp;a Lev Ivanov,(1834-1901) -su ballet master- una versión preliminar del ballet, que consistió en el segundo acto, el cual&nbsp;se presentó&nbsp;como un adelanto el 7 de febrero de 1894&nbsp;en un espectacular homenaje a Tchaikovsky&nbsp;quien falleciera&nbsp;unos meses antes. (Nació&nbsp;el&nbsp;7 de mayo de 1840 y murió&nbsp;el 6 de noviembre de&nbsp;1983).

Después de esta exitosa presentación, Petipa se puso&nbsp;a trabajar en los siguientes actos, revisando el libreto reescrito por el mismo I. Vsevolozhsky, &nbsp;las partituras con la participación del&nbsp;hermano menor de Tchaikovsky, Modesto,&nbsp;(1850-1916), quien había estado al lado del compositor en el desarrollo de su primera versión.

<h5 class="handdrawn subtitle">TALENTO FRANCÉS, POR ENCIMA DEL RUSO.</h5>

La orquestación estuvo a cargo del compositor Ricardo Drigo y la coreografía conjunta de Petipa-Ivanov fueron los cimientos que le dieron inmortalidad a esta obra.

El talento del ruso Lev Ivanov&nbsp;siempre&nbsp;quedó&nbsp; bajo la sombra del director y&nbsp;coreógrafo&nbsp;Petipa, quien llegó&nbsp;en 1847 y al suceder&nbsp; al gran Jules Perrot en 1862,&nbsp;dominó la escena del teatro imperial con su&nbsp; gran estilo de virtuosismo académico y el uso de “divertissements”.

Pero la colaboración con Ivanov&nbsp; en el Lago... dejó&nbsp;claro&nbsp;la magia de una fusión de gran maestría entre lo que hoy podemos distinguir del virtuosismo de la más alta técnica académica, la intensidad dramática de Petipa y el lirismo romántico y simbolismo de los actos blancos de Ivanov.

El estreno fue un gran acontecimiento y mucho del éxito se le atribuyó&nbsp;a la bailarina italiana Pierina Legnani, que&nbsp;protagonizó&nbsp;el papel de Odette–Odile, dándole&nbsp;intensidad al personaje.&nbsp;

Dejó&nbsp;ver el alto nivel técnico e interpretativo que una bailarina requiere para este papel. 

También,&nbsp;la Legnani asombra con los 32 “fouettes” al final del Grand pas de Deux, y&nbsp; sienta un antecedente a alcanzar por futuras bailarinas.&nbsp; 

Se dice que esta hazaña la&nbsp;había realizado&nbsp;anteriormente&nbsp; en una versión de La Cenicienta, en 1893.

El Ballet evoluciona&nbsp;y a&nbsp;través de los años, son muchas las revisiones y reposiciones de esta magistral obra,&nbsp;que forma parte del repertorio de toda compañía de danza en el mundo. 

Toda una constelación de bailarines y coreógrafos han contribuido a la gloria de esta obra, ícono del ballet clásico o romántico-clásico. 

<h6 class="subtitle underlined">Funciones del Ballet de Monterrey: Mayo 20,21 y 22. Auditorio Luis Elizondo. Localidades disponibles en SUPER BOLETOS.</h6>

Aniversario 145 del "Lago de los Cisnes"

Hoy&nbsp;celebramos el Día Internacional de la Danza con especial interés por varias razones;&nbsp;la primera es&nbsp;que también festejamos su 40 aniversario.

Hace 40 años, el 29 de abril de 1982,&nbsp;el Consejo para la Danza del Instituto Internacional de Teatro,&nbsp;(ITI) auspiciado por la UNESCO, instituyo este día para concientizar la importancia y el valor&nbsp;de la Danza&nbsp; alrededor del mundo.

Se acordó esa fecha porque se conmemora el natalicio de Jean-George Noverre (1727-1810) bailarín y coreógrafo francés, considerado como el creador del ballet moderno por sus&nbsp;reformas&nbsp;que renovaron el arte de la danza.&nbsp;&nbsp; 

Sus ideas&nbsp; quedan&nbsp;ilustradas en su famoso manifiesto de 1760 “Lettres sur le Dance et su le Ballet” y en sus múltiples coreografías.

Hoy después de más de 200 años&nbsp;su filosofía nos lleva a reflexionar,&nbsp;la danza se percibe independiente sin ataduras políticas ,económicas o&nbsp; ideológicas. 

El reciente conflicto entre Rusia y Ucrania ha llevado a algunos países a rechazar las manifestaciones artísticas por razones políticas nada mas opuesto a la verdad&nbsp;y libertad del arte que Noverre, que se unía al movimiento filosófico de sus contemporáneos Rousseau y Voltaire, exaltaba.

<h5 class="handdrawn subtitle">El Ballet no conoce&nbsp;de fronteras, barreras ni&nbsp;nacionalidades. </h5>

Este año también es relevante para la danza porque, después de sufrir los estragos de la pandemia los últimos 2 años, estamos entrando, con algunas restricciones, a una nueva etapa, con un espíritu renovando, &nbsp;y con una mayor consciencia del valor del arte para encontrar el balance de nuestra existencia entre lo exterior e interior.

La solitaria y fatigada audiencia esta sedienta de la comprensión y alivio  de los bailarines. Nosotros como bailarines, creemos que el batir de nuestras alas trae esperanza para los corazones de todos los que aman el arte de la Danza y les proporciona valor para salir de una contingencia.

Una de las recomendaciones que nos da la organización, es festejar y unirse a esta iniciativa del Día Internacional de la Danza participando o asistiendo a una obra de cualquiera de las muchas&nbsp;expresiones dancísticas.

Ver una película con el tema, de cualquier género sobre danza, ya sea biografía, historias de romances o suspenso.

O videos de las grandes obras clásicas o contemporáneas de las que encontramos maravillas en las plataformas digitales o asistir alguna conferencias informativa.

Tomar una clase o salir a bailar simplemente en cualquier lugar o&nbsp;reunión pues ciertamente, todo ser humano responde a la música como modo de expresarse en forma natural, solo que las reglas que sigue cada quien son diferentes hablando de profesionales.

Finalmente, los lemas que este año que la organización adopto&nbsp;&nbsp;se enfocan precisamente en esto: “Comparte la alegría de la Danza con otros, para hacer consiente a la gente del valor de la Danza” (Share the joy of Dance with other, to make people aware of the value of Dance") o &nbsp;“La danza une a la gente con un lenguaje común.”&nbsp;Dance brings people together with a common lenguaje).

En nuestra ciudad, el Ballet de Monterrey próximamente&nbsp;&nbsp;presentará&nbsp;el estreno de la nueva versión coreográfica completa sobre la original&nbsp;del&nbsp;&nbsp;El Lago de los Cisnes por su Director Artístico, Thiago Soares.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Una de las obras maestras de la Rusia imperial que este año llega a su 145 aniversario desde su primera presentación en 1977.&nbsp;&nbsp;

<h6 class="subtitle underlined">Que mejor momento de celebrar&nbsp;&nbsp;el arte de la Danza,&nbsp;&nbsp;su libertad&nbsp;&nbsp;y verdad artística.&nbsp;&nbsp;&nbsp;</h6>

Noticias

Día Internacional de la Danza

Reflexión en el Día Internacional de la Mujer.

Este 8 de marzo&nbsp;la mayoría de los países celebra el Día Internacional de la Mujer, formalizado en 1975 por la&nbsp; ONU y proclamado&nbsp; por&nbsp;la Asamblea en 1977. 

&nbsp;En esta fecha, como todo acto conmemorativo, se abre un espacio en el camino para la reflexión.&nbsp; 

Se nos&nbsp;presenta la oportunidad de escuchar y conocer a través de&nbsp;reconocidas&nbsp;voces,&nbsp;la situación de la mujer&nbsp;en la actualidad en diferentes partes del mundo&nbsp;en su lucha, en los diferentes entornos, contra la injusticia, discriminación, inseguridad, violencia de genero y toda actividad que vulnere a la mujer por el solo hecho de su condición.

También es un espacio para hacer un reconocimiento a todas aquellas&nbsp; mujeres&nbsp;e instituciones que han dedicado toda su vida a esta lucha. 

La lista es interminable,&nbsp;desde mujeres espontáneas, académicas, investigadoras, activistas, periodistas, colectivos e &nbsp;instituciones y organizaciones de diferentes&nbsp; vocaciones y prestigios.

En este tema de la desigualdad, quiero&nbsp;hacer&nbsp;mi reflexión,&nbsp;a manera de&nbsp;breve&nbsp;homenaje a aquellas mujeres que a través de la historia sus nombres han sido enterrados bajo las letras.

Me refiero a las innumerables escritoras&nbsp; que han tenido que usar seudónimos masculinos para poder publicar sus&nbsp; trabajos o libros ya que las barreras sociales como culturales en las diferentes épocas se los impedía.

Por mucho tiempo, el conocimiento en las letras&nbsp;era campo exclusivo y de autoridad masculina solamente.&nbsp; 

El papel de la mujer, era&nbsp;solo de esposa o madre y quedaba relegado&nbsp;a tareas domésticas en el hogar.&nbsp;&nbsp; 

Cualquier intento de educación académica o libertad&nbsp;intelectual era visto como una transgresión.&nbsp; 

Esta percepción&nbsp;a cambiado a través de los años en su origen, pero&nbsp;como veremos, hoy no&nbsp;ha desaparecido, aunque si&nbsp; con una diferente&nbsp;óptica y psicología.

En el recorrido histórico, probablemente&nbsp;no llegaremos a conocer a todas esas&nbsp;escritoras escondidas bajo un seudónimo,&nbsp; y a las que nunca les haremos justicia,&nbsp;pero mucho&nbsp;de lo que tenemos documentado &nbsp;nos puede dar&nbsp;una idea de sus batallas y&nbsp;reconocer la valentía y determinación,&nbsp;que aun a costa de su perder su&nbsp;identidad.&nbsp;

Muchas novelas que conocemos hoy&nbsp;como clásicas de la literatura mundial, por nombres de autores que nos pueden ser conocidos, fueron seudónimos usados por mujeres como veremos.

A mediados del siglo 19,&nbsp;la Inglesa Mary Ann Evans, en plena época Victoriana,&nbsp;publicó&nbsp;sus trabajos bajo el seudónimo de George Eliot.&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

Algunas de las obras más conocidas son "Adam Bede", (1859) Middlemarch; "Estudios de la vida provincial", (1871) "The&nbsp; Mill on the Floss", (1860).

En el género&nbsp;ficción/ históricos /domésticos toca&nbsp;temas&nbsp;que resaltan la situación de la mujer, matrimonio, religión, idealismo y política.&nbsp;

En Francia en la era del romanticismo francés, la escritora y periodista&nbsp; Amantine Aurore Dupin, publica sus obras con el nombre de George Sands. 

Su primera novela, Indiana (1832) la llevo a la fama, igual éxito fueros las siguientes como Leila, (1833), El Compañero de Francia, 1840 Consuelo, (1842), Lo Maestros Soñadores 1859 entre toda su muy abundante obra. Amantine fue una mujer de&nbsp;posición social&nbsp;y era aceptada por la elite de escritores, compositores y políticos.&nbsp;&nbsp; 

Sus novelas fueron aclamadas por otros escritores como&nbsp; Víctor Hugo y Fedor&nbsp;Dostoievsky. 

Dupin se reveló ante las convenciones sociales y políticas de su tiempo, y fue fiel a sus convicciones tanto en su obra como en su vida privada y social.

Las &nbsp;hermanas Bronte, Charlotte, Emily y Anne, escribieron sus célebres novelas&nbsp; entre 1846-1847&nbsp;en su natal&nbsp;Haworth, Inglaterra, con los seudónimos de Currer , Ellis y Acton Bell, usando sus iniciales en los nombre. 

Jane Eyre, "Cumbres Borrascosas" y Agnes Grey fueron publicadas por Charlotte, Emily y Anne con sus seudónimos, respectivamente.

<h5 class="handdrawn subtitle">Jane Austen&nbsp;(1775-1817)&nbsp; </h5>

Autora de las novelas mas reconocidas&nbsp; del Romanticismo de finales del siglo V111 y principios de X1X&nbsp; en Inglaterra, nunca&nbsp; firmo sus&nbsp; libros para evitar las criticas y censuras.&nbsp;&nbsp; 

Sus novelas "Orgullo y Prejuicio", "Sentido y Sensibilidad" y "Emma", se publicaron&nbsp; con&nbsp; simples dos palabras “Escrito por una Dama”.&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

En Estados Unidos,&nbsp; la novela “Matar un Ruiseñor”, una de las obras mas representativas de la literatura americana moderna y Pulitzer Prize en 1961, fue escrito en 1960 por Nelle Harper Lee, (1926-2016) pero firmó&nbsp;solo con su segundo nombre Harper Lee, para que apareciera más masculino.&nbsp; 

Por mucho tiempo, todos pensaron así, y en esto,&nbsp;ella&nbsp;encontró en el anonimato cierta comodidad.

Asi siguen&nbsp; ejemplos&nbsp; como&nbsp; la Escritora Británica Violet Paget (1856-1935) con el seudónimo de Vernon Lee, la francesa Marie- Eugenie&nbsp; Saffray (1831-1885) uso como seudónimo el nombre de uno de sus antepasados Raoul de Navery, &nbsp;Alice Bradley Sheldon,(1915-1987)&nbsp; autora&nbsp; Americana de ciencia ficción&nbsp; , aparece con el nombre de James Tiptree Jr.

<h5 class="handdrawn subtitle">JK ROWLING, HARRY POTTER</h5>

En la actualidad, el caso más conocido&nbsp;es el de JK Rowling ( Joanne Kathleen Rowling)&nbsp;la célebre escritora que omitió su nombre y firmó&nbsp;solo con iniciales todos los libros de las historias de&nbsp; Harry Potter.

La sugerencia fue por la empresa editora, para atraer a los niños y jóvenes lectores y evitar prejuicios.

Ya anteriormente había publicado su primera novela con el seudónimo de Robert Galbraith., porque sabía que&nbsp;era una forma de escapar de expectativas. 

Para Rowling, el resultado fue inesperado. La magia de la&nbsp;saga de Harry Potter ha&nbsp;sido todo un fenómeno editorial mundial y un éxito sin precedentes.&nbsp; 

Su anonimato o camuflaje fue momentáneo por el gran impacto que causó&nbsp;su obra y el interés que despertó entre el público.

Muchas son las mujeres que han sido empujadas a usar seudónimos, anónimos, alias o simplemente camuflajes o nombres ambiguos.

Aunque tienen un origen común, las motivaciones pueden ser diferentes.&nbsp; 

Desde evitar caer en&nbsp; la censura y desprestigio como era la norma en los siglos pasados, hasta&nbsp;proteger su vida privada, y encontrar mayor sentido de libertad y una mayor comodidad en el anonimato o simplemente como astucia de retribución profesional.

Igual así,&nbsp;no podemos dejar de ver la otra parte, la del universo de&nbsp; las grandes y prestigiosas escritoras que han alcanzado la cima literaria y que cada día&nbsp;se suman en&nbsp;millones sus lectores y convirtiéndose en estandartes femeninos.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

Sin embargo, según la opinión de Sue Lanser, catedrática en literatura Comparada y Estudios sobre Mujeres, Género y Sexualidad&nbsp; de&nbsp;la Universidad de Brandeis,&nbsp;de EU,&nbsp;hoy existe&nbsp;un fenómeno moderno que se da en la segmentación o separación de genero y practicas de lectura.&nbsp; Hay&nbsp; literatura para hombres y literatura para mujeres. Sigue habiendo un sesgo a favor del conocimiento&nbsp; masculino, a veces implícito o inconsciente pero o ha cambiado mucho. 

&nbsp;Podemos no estar de acuerdo con Lanser, pero si estamos seguros que las nuevas generaciones de escritoras, aun que ya tienen el camino pavimentado por generaciones anteriores de acreditadas autoras, seguirán en la lucha, intensificando y forzando el paso, haciendo uso de todas las herramientas del mundo moderno y tecnológico, para conquistar su lugar... 

<h6 class="subtitle underlined">...en este espacio de las letras.</h6>

Letras en la sombra

La gimnasia artística dentro de los Juegos Olímpicos de Tokio&nbsp;2020 en este atípico y controvertido año nos abrió &nbsp;un espacio a &nbsp;lo sensible, a la&nbsp; apreciación a la&nbsp; belleza, y para algunos &nbsp;a esa catarsis, legado también &nbsp;de los griegos, que nos permite retraernos del estado de&nbsp;incertidumbre que estamos viviendo en estos tiempos de pandemia y por unos días experimentar&nbsp;&nbsp; momentos de inmensa emoción.

<h5 class="handdrawn subtitle">United by Emotion&nbsp;&nbsp;</h5>

Es el lema que apareció en el &nbsp;majestuoso Centro de Gimnasia Ariake Tokio&nbsp;2020 que dice mucho, todo, de los valores que dieron origen a&nbsp; los primeros juegos&nbsp; olímpicos en la antigua Grecia, que bien es la búsqueda del espíritu de la Unidad &nbsp;de los pueblos en armonía y en paz. 

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Recordemos que&nbsp;aquellos&nbsp;eran tiempos de guerras permanentes pero entraban en una tregua sagrada para llevar a cabo los juegos.

Este año, la celebración de los juegos olímpicos Tokio&nbsp;2020 ha sido una prueba &nbsp;mas&nbsp;a ese espíritu del hombre&nbsp;que ha sabido sobreponerse a la adversidad de los tiempos.&nbsp; 

<a href="https://twitter.com/i/status/1424347919994343435">https://twitter.com/i/status/1424347919994343435</a>

El Comité Olímpico Internacional, Japón como país anfitrión y todas las naciones participantes han demostrado&nbsp;la verdadera vocación, experiencia y&nbsp;capacidad ilimitada para hacer responsablemente &nbsp;posible lo que parecía imposible en tiempos de pandemia.

Pero, en el núcleo de todo esto, están los atletas participantes de todo el mundo que han tenido que luchar, además de las exigencias del mismo deporte,&nbsp;con&nbsp;toda&nbsp;una serie de restricciones, confinamientos que la pandemia ha impuesto. 

<a href="https://twitter.com/i/status/1424342839744364551">https://twitter.com/i/status/1424342839744364551</a>

Como hemos visto, han demostrado que son guerreros en el campo como en la vida. 

<h5 class="handdrawn subtitle">GIMNASIA ARTÍSTICA RÍTMICA</h5>

Yo aquí en este espacio, me&nbsp;quiero referir solo a la gimnasia artística/rítmica porque es una disciplina que me maravilla&nbsp;y me es familiar, ya que tiene elementos de danza y ballet, que son&nbsp;mi tema. &nbsp;

Veo a todas estas chicas como deportistas porque están dentro de esta categoría en los juegos olímpicos, pero también como artistas o bailarinas pues la línea que las separa es casi imperceptible.

Cada una de sus ejecuciones es sometida a un riguroso escrutinio, ningún elemento o movimiento &nbsp;queda fuera&nbsp; el rigor &nbsp;de los jueces.

La tensión emocional o stress que recae&nbsp;en ellas es abrumadora y no seria controlada sin el entrenamiento adecuado.

Estas deportistas o artistas, muy jovencitas todas, han crecido dentro de un circulo o grupo que incluyen a maestros, entrenadores, compañeros.

Ellos representan para ellas&nbsp;esa unión o fortaleza,&nbsp;que lo dice el lema olímpico y que les da una&nbsp;armadura psicológica o &nbsp;la red de seguridad para alcanzar los limites humanos en sus prodigiosas ejecuciones. &nbsp;&nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">Unidad emocional para competir, compartir y perseguir el mismo sueño o pasión. </h5>

El&nbsp; lema de Tokio&nbsp;2020, Unidos por una emoción&nbsp;es&nbsp;más que una expresión, es una proclamación de poder, de solidaridad, que siempre a destacado entre los deportistas/ artistas, y que hoy es un llamado en todos los ámbitos de la humanidad. 

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Si no hay unidad mundial o solidaridad humanitaria, no será posible la sobrevivencia en la paz.

<a href="https://twitter.com/i/status/1424350553870503937">https://twitter.com/i/status/1424350553870503937</a>

Unidos por la emoción

Para celebrar y promover el arte de la danza en todas sus expresiones &nbsp;alrededor del mundo, el Consejo para la Danza del&nbsp; Instituto Internacional de Teatro (ITI) auspiciado por la UNESCO,&nbsp;declaró&nbsp;el 29 de abril como Día Internacional de la Danza, desde&nbsp;1982. 

Uno de los objetivos es hacer un llamado de atención a gobiernos, políticos e instituciones para valorar la importancia de la danza y hoy, debido a las pandemia, es una súplica universal.&nbsp;&nbsp; 

Este año, como era&nbsp;de esperarse, la celebración se llevará&nbsp;a cabo en forma diferente:

<h5 class="handdrawn subtitle">PADRE DEL BALLET MODERNO</h5>

Esta&nbsp; fecha por la que optó&nbsp;el consejo, es de&nbsp;gran trascendencia&nbsp;en la danza pues se conmemora el natalicio del célebre Jean-George Noverre (1727-1810), bailarín y coreógrafo francés, considerado el padre del ballet moderno por sus ideas innovadoras . 

Sus reformas y su manifiesto&nbsp;en el arte de la danza quedan para la posteridad&nbsp;en su publicación&nbsp;de 1760 "Lettres sur le Dance et sur le Ballet".

La idea central de su&nbsp;tratado radica en convertir al ballet en un arte independiente, alejado de las reglas que imponían los espectáculos de las cortes donde la expresividad, sentimiento y emotividad estaban subordinados solo a la técnica o al virtuosismo.&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

El "Ballet d´Action", se formaliza con&nbsp;Noverre, pues encuentra&nbsp;el medio para narrar una historia y&nbsp;transmitir toda la gama de sentimientos humanos.&nbsp;

Adapta con mayor énfasis&nbsp;la pantomima o&nbsp;mímica, ya antes existente en el ballet. 

<h5 class="handdrawn subtitle">LA PREDOMINANCIA DEL BALLET</h5>

Para Noverre, todos los elementos de la producción, como coreografía, escenografía, vestuario, música,&nbsp;quedan condicionados al tema.

Desde el punto de vista ideológico,&nbsp;Noverre logró&nbsp;insertar al arte de la danza en el movimiento estético filosófico&nbsp;de la época&nbsp;bajo la influencia de contemporáneos suyos como&nbsp;Rousseau y Voltaire, que exaltaban sobre todo la verdad, la libertad, el expresionismo, la simplicidad, emotividad y la belleza de la naturaleza antes que las reglas o imposiciones. 

Hoy, después de cerca de 200 años,&nbsp;las ideas y&nbsp;reformas de Noverre resultan fundamentales en la evolución del ballet y son un&nbsp;referente mundial. 

Noverre fue hijo de su tiempo, y al paso de los años y las diferentes épocas, le siguieron otros movimientos con nuevas ideas&nbsp; de grandes maestros y&nbsp;genios de la coreografía que, debatiendo, reconstruyendo, innovando y perfeccionando las bases académicas, técnicas, y toda la combinación e inclusión&nbsp;de estilos, han hecho&nbsp;posible que el ballet llegue&nbsp;hasta nuestros&nbsp;días como una de las expresiones más sublimes y de mayor virtuosismo en el mundo.

<h5 class="handdrawn subtitle">EL BALLET Y LA PANDEMIA</h5>

El Día Internacional de la Danza 2021 en estos tiempos de pandemia, es una invitación&nbsp;a reflexionar en el lado sensible y las motivaciones del arte del ballet como tal vez&nbsp;fue en otras encrucijadas de la historia como hemos mencionado.

Los retos de aislamiento y confinamiento que ha enfrentado el mundo de la danza&nbsp;desde hace más de un año en que apareció el Covid19, han sido difíciles y agobiantes. 

Desde el inicio de la contingencia, bailarines, compañías y academias -sin dejarse vencer- exploraron nuevas vías para su entrenamiento y de alguna forma han logrado seguir conectados con su público a través de plataformas digitales o escenarios exteriores o alternos. 

<h5 class="handdrawn subtitle">RETOS</h5>

Sin embargo,&nbsp;ha&nbsp;transcurrido&nbsp;más de un año&nbsp;y los efectos de una cuarentena no van a pasar inadvertidos&nbsp;para los bailarines que&nbsp; enfrentaron diferentes situaciones de&nbsp; resiliencia&nbsp;y hasta&nbsp; existenciales.

Esto se va a ver&nbsp;reflejando en la&nbsp;misma esencia&nbsp;del arte de la danza.&nbsp;&nbsp; 

Y aquí,&nbsp;volviendo a Noverre,&nbsp;aunque ha sido una experiencia&nbsp; traumática, una más en&nbsp;la historia reciente de la&nbsp; humanidad,&nbsp;no será en&nbsp;detrimento del arte, sino que&nbsp;pasará&nbsp;a formar parte de la&nbsp;gama de todas las emociones humanas, como elemento sustancial y esencial del arte.&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

Bien podemos esperar, como con todos los cambios, un renovado expresionismo, sensibilidad, narrativa e integridad artística.

Se danza la vida, o lo que se intuye de ella.

Las opiniones de los directores de las grandes&nbsp;compañías de ballet y la mayoría de las asociaciones dancísticas,&nbsp;apuestan por la venida de la nueva normalidad.

Sin embargo, los efectos reales no los vamos a conocer pronto, pues como dice Carlos Acosta, Director Artístico del Birmingham Royal Ballet, en&nbsp;reciente entrevista para el diario The Observer,&nbsp;de Londres:

"Se puede llegar a perder a una generación de bailarines&nbsp;y por otro lado, a la generación de profesionales que en sus planes llegaba el año en que&nbsp;culminaba su carrera".

Tiene razón,&nbsp;no solo la formación artística de las nuevas generaciones&nbsp;y bailarines que se retiran,&nbsp;también mucho ha perdido el impulso y el&nbsp;desarrollo de la creación en toda&nbsp;la&nbsp;&nbsp;industria escénica, sobre todo los que no tuvieron el respaldo financiero y cerraron sus puertas.

<h5 class="handdrawn subtitle">RECONOCIMIENTO</h5>

Finalmente, un reconocimiento a los maestros, directores y coreógrafos que han llevado&nbsp;no solo la&nbsp;inmensa responsabilidad de su entrenamiento, sino también, adaptando programas como un antídoto para&nbsp;compensar la actividad escénica con&nbsp;iniciativas para desarrollar la creatividad y mantener su estabilidad emocional y psicológica.&nbsp;&nbsp;

Y así, nos ha sorprendido ver y descubrir a bailarines, alumnas, quizá futuros creadores, con&nbsp;nuevas propuestas que van desde coreografías hasta&nbsp;escenarios ambientalistas, filmes, podcasts, coaching&nbsp;&nbsp;y mucho más.

<h6 class="subtitle underlined">En homenaje a los bailarines del Ballet de Monterrey.</h6>

Se danza la vida. Reflexiones en su Día Internacional

Las actividades culturales sufren en México uno de los peores recortes presupuestales de su historia.

El término resiliencia hoy forma parte de nuestro vocabulario habitual y su interpretación mas común se refiere a la capacidad de los seres humanos para enfrentar la adversidad y a adaptarse a condiciones extremas o criticas tanto biológicas, emocionales como psicológicas.

Aunque la resiliencia, según me enseñó&nbsp;mi padre, erudito en Minería, Metalurgia y Geología, el origen de la palabra resiliencia proviene de la ciencia, término propio y común en las ingenierías para medir la capacidad de resistencia o elasticidad de algunos metales o aleaciones a volver a su estado inicial después de someterlos a pruebas de temperaturas o energías.

Su raíz etimológica, ¨resilio¨, del latín, significa regreso o volver atrás. &nbsp;

Ahora este concepto se ha venido expandiendo a todos los ámbitos, ya sea la psicología, ecología, economía y casi toda actividad sociocultural como herramienta para &nbsp;enfrentar los desafíos actuales &nbsp;y convertir las circunstancias negativas en resultados positivos.

La pandemia del Covid-19 &nbsp;que ha mantenido al mundo colapsado este pasado año 2020, nos lleva a reflexionar sobre la &nbsp;importancia de la resiliencia, pues pone a prueba como nunca antes nuestra fortaleza tanto física como emocional, sobre todo en las circunstancias personales de salud familiar y de la solidaridad con la comunidad. &nbsp;

En el campo de las artes, una de las mas frágiles y vulnerables expresiones culturales ante esta crisis pandémica, la resiliencia también ha sido vital para la sobrevivencia del artista que por su naturaleza requiere de mantenerse en condiciones óptimas y compensar la falta de contacto y retroalimentación con el espectador para culminar &nbsp;la plena experiencia estética. &nbsp;

<h5 class="handdrawn subtitle">EL ARTE SE PONE A PRUEBA EN ÉSTA PANDEMIA</h5>

No es la primera vez en la historia reciente que el arte se enfrenta a batallas, ya sea ideológicas, geopolíticas o económicas;&nbsp;sin embargo, y a pesar que su espíritu creador e innovador &nbsp;siempre surge y sale fortalecido encontrando caminos y escenarios inexplorados, &nbsp;hoy es diferente. &nbsp;&nbsp; 
&nbsp;&nbsp; 
Esto es en parte debido a la falta de financiamiento, uno de los riesgos inminentes para la actividad artística en este &nbsp;tiempo marcado por los criterios tendenciosos en la distribución de los recursos. &nbsp;

Los presupuestos para las artes, y inexplicablemente para la ciencia, se han visto restringidos por considerarla no esencial. &nbsp;

Las políticas del gobierno, y la mayoría de la población no alcanzan a entender&nbsp;que es precisamente la actividad artística lo que conforma o convoca a la resiliencia de la población elevando y fortaleciendo su espíritu en estos tiempos azotados por la enfermedad y muerte.&nbsp;

Recordemos, para mayor ilustración, que desde la Grecia antigua, Aristóteles introdujo el concepto de Catarsis (Khathasis, del griego que significa purificar) que se asocia con el efecto que produce una obra teatral en el espectador. &nbsp;

<h6 class="subtitle underlined">CATARSIS DEL ARTE</h6>

La catarsis del arte&nbsp;hoy es toda experiencia que produce el arte en el espectador que lo lleva a un estado emocional o espiritual o de purificación para su mejor yo. &nbsp;

La resiliencia tan popularizada hoy, como la catarsis del arte desde tiempos antes, bien pueden ser hoy medios para enfrentar las crisis.

Nosotros como sociedad, podemos y debemos exigir más apoyo para una oferta cultural y para el fomento a la creación artística, hoy para aliviar nuestro abatimiento y en el futuro para tener generaciones de jóvenes con valores sensibles que puedan afrontar un nuevo &nbsp;orden mundial con desafíos sin precedentes &nbsp;que me parece inicia con este año. &nbsp;&nbsp;

A mi padre, el Ing. Alfredo Backhoff U., en el &nbsp;aniversario de su partida. Admirable ejemplo de resiliencia.

Resiliencia de las artes

Desde hace dos años y al acercarse el 30 aniversario de su fundación, el Ballet de Monterrey, en un intento por celebrar este acontecimiento, dejó los estudios y teatros para recorrer algunos lugares de nuestra ciudad y dar testimonio dinámico del arte de la danza en un duelo con la belleza de nuestros escenarios naturales y urbanos. &nbsp;

La idea detrás de este proyecto fotográfico/coreográfico aún en proceso, es hacer un homenaje a la ciudad que nos vio nacer y &nbsp;dramatizar la conexión que se ha venido estableciendo entre artista-espectador- ciudad- pertenencia.

Hoy todo ha cambiado. Nadie pudo predecir la contingencia que nos ha llevado a conductas y mecanismos de supervivencia en todos los ámbitos, pero más aún en lo artístico-cultural donde la conectividad artista-espectador no podía imaginarse diferente.&nbsp;

La tecnología digital, que ya era una herramienta para las compañías de ballet, hoy viene a rescatar a las compañías con gran creatividad, cambiando paradigmas y estableciendo nuevos vínculos con el público.

Los bailarines y coreógrafos &nbsp;de todo el mundo, han permanecido en forzoso aislamiento dentro de sus hogares y han adaptado diferentes formas de acondicionamiento, mientras gradualmente esperan regresar a los estudios, &nbsp;pero han descubierto en sus ciudades, espacios &nbsp;ilimitados, libres de restricciones sin mas inspiración &nbsp;que la misma energía y armonía con la naturaleza.

Galería

Mucho se ha reflexionado en los efectos de la pandemia, pero quizá es &nbsp;esto, el &nbsp;cuestionar nuestra propia esencia humana lo &nbsp;que nos puede llevar a hacer mejores tanto como artistas o personas. 
&nbsp; &nbsp; 
Son muchos los ejemplos que tenemos donde los directores artísticos encuentran en &nbsp;sus ciudades locaciones ideales, &nbsp;escenarios mágicos que permiten exaltar su espíritu creador.&nbsp; 
Un ejemplo reciente es el San Francisco Ballet, que acaba de transmitir un breve filme titulado “Love in Time of Quarentine¨ (Amor en tiempos de Cuarentena) en un escenario natural de belleza excepcional.&nbsp;

Los espacios naturales y urbanos, como la temática de la pandemia y el resurgimiento de un nuevo orden de valores, serán parte de los repertorios de las compañías de danza del mundo.&nbsp; 
Esto no es &nbsp;nuevo, la historia nos ha enseñado que nada del ser humano queda sin reflejarse en las artes. Se danza durante toda nuestra existencia, desde la prehistoria.

Para Ballet de Monterrey, este proyecto en aquel momento quizá representó una visión intuitiva de la importancia de la ciudad y sus artistas.&nbsp; 
Hoy me parece de una gran importancia por las circunstancias que nos rodean y nos sentimos muy privilegiados de ser precursores de esta nueva aspiración cultural/urbana.

Confiamos &nbsp;que las condiciones y el apoyo de nuestros benefactores nos permitan reanudar &nbsp;el próximo &nbsp;2021 nuestras actividades y ofrecer a ustedes la &nbsp;exposición completa de esta colección.

Para Ballet de Monterrey es un privilegio que DETONA sea el primer medio de comunicación que muestra públicamente algunas de las fotos que serán exhibidas en nuestro evento conmemorativo de los 30 años…. tan pronto la pandemia lo permita. Espero que disfruten ésta exclusiva.

Gretchen Backhoff